PLACES & ARCHITECTURES | 900+100

Das Museo del Novecento wurde 2010 im Palazzo dell'Arengario in strategischer Lage vor dem Dom eröffnet und ist ein Museum der Stadt, das aus den großzügigen Spenden von Künstlern und Sammlern entstanden ist. Ein Museum mit einer sehr mailändischen Geschichte, die das kurze Jahrhundert umspannt, vom Futurismus bis zur Arte Povera, und das sich nun anschickt, seine Ausstellungsfläche zu verdoppeln. Für den Eintritt in das neue Jahrtausend.

Von Francesca Molteni

Offen, osmotisch, transparent, ein Museum, das sich anbietet, weil es so viel empfangen hat. Schön, weil es in Beziehung zur Stadt steht. So Gianfranco Maraniello, Direktor des Polo Museale Moderno e Contemporaneo in Mailand - also von fünf Institutionen: Museo del Novecento, GAM Galleria d'Arte Moderna, Palazzo Morando, Casa Museo Boschi Di Stefano und Studio Museo Francesco Messina.

FM: Neue Projekte, große Veränderungen, das Museo del Novecento befindet sich im Umbruch. Was sind die wichtigsten Entwicklungen?
GM: Die Arbeit am Raum des Museo del Novecento bedeutet, zu berücksichtigen, was mit der Erweiterung des zweiten Arengario geschehen wird. Wir stellen uns also vor, wie die endgültige Form aussehen wird. Das derzeitige Museum wird zu einem ständigen Sammlungsraum werden, der als Ausgangspunkt und als Abschluss zwei Polaritäten des kurzen Jahrhunderts hat: Es beginnt mit der Hoffnung, der Idee, die Welt zu beeinflussen, also der Idee der Avantgarde, und dem Futurismus, der bereits der vollendetste Teil der Sammlungen ist und eine starke Mailänder Konnotation hat, auch wenn er ein internationales Phänomen ist, und es endet mit einem symbolischen Datum für das italienische zwanzigste Jahrhundert und sicherlich für diese Stadt und für die Kunst dieser Stadt: 1993, das Jahr, in dem sich in Mailand vieles ereignete - der Mafia-Terroranschlag auf das PAC, das als Mani Pulite bekannte Phänomen, aber auch die Geburt von Berlusconis Partei. Kultur, Politik, Gesellschaft, Medien, also eine sehr relevante Geschichte, die in der Kunst durch wichtige Werke in unseren Sammlungen vertreten ist. Auf der anderen Seite wird der zweite Arengario ein Ort für Ausstellungen sein, und zwar für zeitgenössische, auch in Übereinstimmung mit Räumen, die gerade wegen ihrer Flexibilität besser für temporäre Ausstellungen geeignet sind. Die Wiederbelebung der Architektur scheint mir auch für das Arengario ein entscheidendes Thema zu sein, um die fast osmotische Dimension zwischen dem Inneren des Museums und dem Äußeren wiederzuentdecken. 
Wir bereiten also dieses Sprungbrett, buchstäblich einen Laufsteg, vor, um in den zweiten Arengario zu springen, und metaphorisch in das neue Jahrtausend, denn dies ist auch das Bild von Mailand, einer internationalen Stadt, die sich den Herausforderungen der heutigen Welt stellt. In diesem Sinne stellen wir uns auch die Neuverteilung der Dienstleistungen vor, was passieren wird, wenn wir auf der Piazza Duomo eine große Cafeteria im Erdgeschoss haben, mit Räumen, die für Aktivitäten genutzt werden. Vor allem wird es ein identitätsstiftender Ort sein, an dem man sich treffen kann, um Kunst zu praktizieren.

FM: Wer sind die Gesprächspartner auf dieser Reise? Die Traumtänzer, die das möglich machen?
GM: Wir sind ein integraler Bestandteil der Stadt Mailand, wir befinden uns bereits in einer öffentlichen Dimension. Und das bedeutet auch, dass wir einer Stadt, die sich als sehr großzügig erweist, zuhören können. Wir führen ein wichtiges Projekt für unterschiedliche Fähigkeiten durch, also Wege für Sehbehinderte, für Behinderte oder für kognitive Fähigkeiten, die beim traditionellen Museumsbesuch nicht standardisiert werden können. Und dann finden wir auch neue Gesprächspartner in Bezug auf neue Projekte. Wir haben uns die Frage gestellt: Was ist es, das die Kunst des 20. Jahrhunderts auszeichnet? Das 20. Jahrhundert ist sicherlich das Jahrhundert, in dem Kunst nicht mehr nur als ein Werk, als eine fertige Form, die zu einer Skulptur oder einem Gemälde verdichtet wird, realisiert wird. Kunst befindet sich nicht mehr nur im Rahmen eines Rahmens oder im Sockel. Das 20. Jahrhundert ist das Jahrhundert, in dem Kunst in temporären Ausstellungen präsentiert wird, in Umgebungen, in Dialogen zwischen Werken und Räumen, in einer besonderen Beziehung zur Zeit und zu Ausstellungsumgebungen und auch in der Beziehung der Werke zueinander. Die Idee ist also, den Stimmen des 20. Jahrhunderts mehr und mehr Raum zu geben, indem wir mit Archiven, mit Stiftungen, mit denjenigen, die Erinnerungen bewahren, aber auch mit Kunstgalerien zusammenarbeiten, die eine wichtige Geschichte haben, insbesondere in einer Stadt wie Mailand. Und so rekonstruieren wir die Geschichten, finden die Handlungen und auch die Verbindung und die kulturelle Bedeutung von all dem. Die Herausforderung besteht darin, eine Plattform zu schaffen, die mit vielen Partnern geteilt werden kann und an der man sich beteiligen kann. Dann geht es auch darum, die zukünftige Geschichte aufzubauen, welche die große Projektion des zweiten Arengario ist, und es ist kein Zufall, dass dieses Projekt unter dem Titel "900 plus 100" weitergeführt wird, wenn man an das Jahrhundert denkt, in dem wir leben.

FM: Wie heben Sie die Beziehung zur Stadt hervor, im Sinne des Dialogs, aber auch der Architektur?
GM: Die 4. Etage des Museums ist eine Art Observatorium, auf der einen Seite der Dom, die Galleria, und auf der anderen Seite eine ebenfalls moderne Architektur, die des Torre Velasca - das ist auch der Sinn des heute bekannten Laufstegs, die Idee, über der Stadt zu schweben und sie so zu einem Observatorium zu machen. Die Stärke dieser Architektur liegt gerade darin, dass sie ein Punkt der Beobachtung und auch der Durchlässigkeit des Blicks ist. Ich denke daran, wie schön es im Sommer bei Sonnenuntergang ist, wenn der Candoglia-Marmor des Doms mit seinem rosafarbenen Schimmer in die Sala Fontana eintritt, und es überrascht mich nicht, dass dies der geeignetste Ort für Selfies in der Stadt ist. Ich bin der Meinung, dass dieser Aspekt hervorgehoben werden sollte und dass die Ausstellung der Werke eine organische Beziehung zum Inneren des Gebäudes, aber auch zum Außenbereich haben sollte. Es ist die Idee, dass das Museum kontinuierlich Signale für das geben kann, was auch in der Stadt zu finden ist. Da das Museum immer eine exemplarische Funktion hat, d.h. als Beispiel dient, kann es die Kunstgeschichte nicht erschöpfen, sondern muss einen Zugang zu ihr bieten, so dass dann jeder in seiner eigenen Erfahrung Kunst im Alltag, im praktischen Leben, in den Erfahrungen, die er anderswo macht, finden kann. Das Museum ist ein künstlicher Raum, der die Wahrnehmung von Kunst synthetisiert und in gewisser Weise intensiviert, aber nicht erschöpft. Zu denken, dass das Museum auf etwas anderes verweist als auf sich selbst, ist meine Mission.

FM: Wie sieht es mit dem Thema Ausstellungsdesign aus, welches das neue Projekt in gewisser Weise verneint?
GM: Alle Künstler, mit denen ich zusammengearbeitet habe, haben mir gesagt, wie wichtig es ist, Ausstellungen zu machen, die in direktem Zusammenhang mit dem gegebenen Raum und auch mit den Werken der anderen Künstler stehen. Wir werden also allmählich den Rahmen verlassen - den Rahmen, der idealerweise im Europa des 17. Jahrhunderts erfunden wurde, eine kulturelle Erfindung, die alles in allem jüngeren Datums und auch geografisch begrenzt ist und welche die zeitgenössische Kunst zu demontieren gelernt hat, indem sie uns stattdessen Kunst als Geste, als Raum, als Beziehung, als Zeit entdecken lässt. Und wir müssen diese Beispielhaftigkeit auch in der Art und Weise der Ausstellung zeigen, denn sie wird uns zu den drei großen Ausstellungsräumen führen, überdachte Plätze, aber in Wirklichkeit auch transparent, mit großen Fenstern, welche die Orte der Wechselausstellungen sein werden. Wir müssen also in der Lage sein, diese Möglichkeit der Begegnung mit der Kunst zu konstruieren und die Menschen dazu zu bringen, ihre ständige Durchbrechung, die ständige Überschreitung ihrer Grenze wahrzunehmen, die dann eine Metapher für die Kunst ist.

FM: Welche Beziehung können Sie zum Design herstellen, der anderen großen Säule, die diese Stadt mit der Welt verbindet und auch einen Großteil der Welt mit Mailand?
GM: Die Grenzen zwischen den Disziplinen sind immer sehr fließend. Es ist schwer zu erkennen, ob wir uns im Bereich des Designs oder der Kunst befinden, und vielleicht ist es nicht sinnvoll, sich so festzulegen, wenn wir über Werke in Sammlungen sprechen. Ich denke dabei in gewisser Weise an Enzo Mari, Fausto Melotti und an bestimmte Ausdrucksformen des Futurismus. Aber gleichzeitig denke ich, dass es in dieser Explosion von Energie, welche die Stadt Mailand darstellt, von grundlegender Bedeutung ist, uns als sehr leicht erkennbare Gesprächspartner zu positionieren. Wir brauchen eine klare Positionierung, gerade um Referenzen zu sein und auch um keine Funktionen zu duplizieren. Wenn ich also ein Museum wie das Museo del Novecento konzipiere, kann ich nicht außer Acht lassen, dass es in der Stadt selbst auch wichtige private Stiftungen wie die Triennale und das ADI-Museum gibt, die außergewöhnliche Arbeit leisten, aber wir müssen in der Lage sein, Dinge zu tun, die diese Stiftungen nicht tun können, und das fängt schon bei der Realisierung der Sammlungen an, der eigentlichen Mission des Museums

FM: Was ist mit der zeitgenössischen Kunst im Museum?
GM: Wir sind, ehrlich gesagt, noch nicht in der Lage, uns als Produzenten zeitgenössischer Kunst zu präsentieren. Im Moment, aber nur im Moment, sind wir ein Museum, das mit den Funktionen verbunden ist, die sich mehr der Erhaltung des kulturellen Erbes widmen, wir sind nicht die Hauptakteure dieser Art von Forschung. Stiftungen wie die Fondazione Prada, Trussardi, der Hangar Bicocca und die vielen privaten Galerien geben hier eine klare Richtung vor. Unser Thema ist es also, wenn überhaupt, in Erwartung der Räume des zweiten Arengario, wichtige Referenzen für unseren institutionellen Charakter zu werden. Das heißt, nicht nur Forschung, was keine Kleinigkeit ist, sondern die Idee, dass dies eine Wertedimension innerhalb der Gesellschaft ist. Der Unterschied zwischen dem, was ein Museum tut, und dem, was eine Einrichtung wie eine Stiftung oder eine Galerie vorschlägt, besteht darin, dass das, was wir tun, auch für diejenigen von Interesse sein sollte, die nicht ins Museum gehen. Ich war immer der Meinung, dass Museen für diejenigen, die sich nicht für Kunst interessieren, noch wichtiger sein sollten. Unsere Aufgabe ist es nicht, das natürliche Publikum anzusprechen, sondern zu verstehen, dass das, was wir tun, auch für diejenigen sinnvoll ist, die sich nicht dafür interessieren.

FM: Welchen Platz nimmt in diesem Zusammenhang das Thema der Digitalisierung, der Einbeziehung der Öffentlichkeit, ein?
GM: Wir können gar nicht anders, als uns dafür zu interessieren, denn das Digitale hat bereits, wie Francesco Casetti sagt, sogar die traditionellen Medien wiederbelebt, wir sind bereits davon durchdrungen. In angelsächsischen Kreisen spricht man von dem in der Museumsforschung sehr wichtigen Phänomen der Mediatisierung, bei dem es nicht mehr darum geht, wie Museen das Digitale nutzen, sondern wie Museen verstehen, dass sie in ein digitales Umfeld eingetaucht sind. Wir wissen, dass die effektivste Kommunikation die ist, welche die Besucher selbst machen, indem sie ihre Museumserfahrungen mit ihren Werkzeugen zurückgeben. Ich denke, es geht nicht nur um die Frage, welche Werkzeuge wir einsetzen werden, sondern auch darum, welche Einstellung wir haben sollten. Es gibt zwei Dinge, die wir immer im Hinterkopf behalten sollten. Das erste ist, dass wir darüber nachdenken müssen, wie wir nicht zu Subjekten, sondern zu Objekten der Kommunikation werden können. Das andere ist, dass wir das Digitale nicht als Kommunikationsmittel, sondern als Handlungsraum betrachten sollten. In gewissem Sinne geht es darum, über die Möglichkeiten nachzudenken, die das Digitale bietet, um Räume nicht nur für die Dokumentation und Archivierung, sondern sogar für die kulturelle Produktion zu schaffen.